Fica até dia 23 de setembro, no Moma, a mostra dos favoritos da crítica de cinema de Nova York (NYFCC), que faz 75 anos este ano. Para comemorar, o museu exibe alguns dos filmes mais clássicos já premiados pela associação.
Nós também quisemos homenagear…

As Diabólicas

As Diabólicas (Les Diaboliques, 1955) de Henri-Georges Clouzot conta a trama de um assassinato por parte da mulher e da amante de um diretor de escola sádico e violento. Fazem parte do elenco Véra Clouzot, Simone Signoret e Michel Serrault.

Figurino

Bottega Veneta e Burberry Prorsum inverno 2009

Amarcord

Amarcord (1973) é obra prima de Federico Fellini na qual, reza a lenda, há forte teor autobiográfico contido na trama. Protagonizado por Titta, morador de uma pequena cidade costeira da Itália fascista o filme conta com a atuação de Pupella Maggio, Armando Brancia e Magali Noël.

Figurino

Christian Dior e Ermenegildo Zegna

Laranja Mecânica

Alex DeLarge é um jovem controverso que ouve Bethoven e lidera uma gang de baderneiros, usa drogas e gosta de violência, de praticá-la. Alex é condenado a um tratamento nada convencional. Conhece a história? Ela marcou uma geração e fez escola para as posteriores. Laranja Mecânica é clássico dos clássicos por agradar tanto a gente de todas as idades e por ser o maior dos muitos marcos de Stanley Kubrick. Não viu? Sacrilégio!

Figurino

Hugo Boss verão 2010, Moschino Cheap and Chic resort 2010

Fanny & Alexander

Fanny e Alexander (1982) é um dos mais belos filmes do diretor Ingmar Bergman. Feita na Suécia, a obra relata os maus tratos recebidos por duas crianças, Fanny e Alexander, por parte de um padrasto severo. O diretor dispensa apresentações e o elenco é composto, em sua maioria, por atores suecos.

Figurino

Os Bons Companheiros

Os Bons Companheiros (Goodfellas, 1990) é um dos muitos clássicos de Martin Scorsese. O filme de gangster reúne a nata do gênero: Robert De Niro, Joe Pesci e Ray Liotta; mais: Paul Sorvino, Lorraine Bracco e participação especial de Vincent Gallo. Não precisa recomendar nem dizer que é obra prima, né?

Figurino

Giorgio Armani e Zegna, primavera/verão 2010

A lista é grande e não dá pra postar homenagens a todos os filmes. Entre os meus favoritos ainda tem “Meu Tio”, de Jacques Tati, “A Grande Ilusão”, de Renoir e no meio de todos, um brasileiro: “Pixote”, de Hector Babenco. Veja a lista completa e a programação aqui e se passar por Nova York, não deixe de assistir a alguns deles.

Vídeo para inspirar a vibe rock and roll e dar um gás na semana de todo mundo com uma já citada musa/diva/deusa/ícone dos 1980 e de sempre, exemplo de atitude e estilo em todas as idades. Mais atuais que nunca, Debbie Harry e Blondie são demais!

Para reparar: na roupa de Debbie com recortes que revelam a barriga sem mostrar o umbigo – supertendência – pra quem tem todo esse poder!

Chanel, Michael Kors e Christopher Kane, resort 2010

Em tempo: segundo (a jornalista) Ana Clara Garmendia, em seu blog, Debbie é tema de editorial da próxima Vogue francesa, estrelado por Raquel Zimmermann. Confira lá a prévia das fotos.

Anote aí: paetês, couro preto e marrom, cabelos com volume e míni justinha também são Blondie items em alta.

Edgar Degas (1834 – 1917) foi pintor e gravurista. Enquadrado entre seus contemporâneos impressionistas, Degas nunca aceitou esse rótulo por utilizar técnicas ainda tradicionalistas (apesar de modernizadas) e cores com características próprias. Apesar de forte representante da pintura histórica, Edgar Degas é mesmo famoso por estas belas pinturas, expostas no mundo todo, as bailarinas. Foram estas meninas que o fizeram romper com o impressionismo, revolucionaram sua pintura e encataram as gerações posteriores. A maioria delas está no d’ Orsay, Paris. Ainda há algumas em Boston, Nova York, e outras espalhadas pelo mundo. Inspiração imortal. Para flutuar.

Apresentação In-Presentable

JUAN Dominguez, bailarino e curador do festival, nos fala sobre a proposta do In-Presentable e suas novidades como festival de dança.

Sobre a proposta do festival Juan diz que “o In- Presentable é um evento que mistura debates e apresentações, público e bailarinos na mesma cena, criando um contexto em que se confrontam diferentes frentes: a educação, o apoio à criação jovem de Madri, a visibilidade trabalhos nacionais e internacionais e a relação com os espectadores, fazendo-os participarem de formas diferentes da criação coreográfica.”  “O que eu quero é que o In – Presentable seja uma plataforma em que artista e espectador criem e produzam em um mesmo tempo/espaço e que se possa canalizar a experiência de ambos.”

Pergunto, então, como de fato se dá a participação do espectador – público não relacionado à dança?

“A maioria do público, curiosamente, não pertence ao meio. Há atividades orientadas para todos, os que estão e os que não estão inseridos. A sugestão é que o espectador se posicione livremente diante das propostas do festival e trabalhe de acordo com o que se sente à vontade. O objetivo aqui é o debate e o posicionamento. Uma aproximação entre público e artista e com a dança, a arte e, sobretudo, um afastamento do mercado.”

O que há de novo no In – Presentable?

A rede que se formou e começa a ter atividade bimestral a partir de setembro. A próxima edição em junho de 2010, que terá a participação apenas de artistas espanhóis. E a energia que seguiremos investindo nas políticas deste festival, que é peculiar por propor um contexto de trabalho para todos, onde se é forçado a pensar e a compartilhar a experiência da participação.

THIAGO, que apresentou “We are not superficial, we love penetration“, é um bailarino nascido em Santos e residente do mundo. Define-se como estrangeiro em qualquer lugar. No festival, disse, sentiu-se à vontade. “Lá os feedbacks foram muito importantes para todo o processo” e conta como foi sua participação.

Imagens de "We are no superficial, we love penetration" fotos por Léo Nabuco

Primeiro fale sobre a relação entre o 6M1L /ex.e.r.ce.08 e o In – Presentable.

Durante o festival in -presentable não ouve distinção entre os dois grupos em termos de responsabilidade e espaço para apresentação de projetos.
Havia projetos diretamente relacionados com a experiência do contato do grupo 6m1L com o exerce 08, no ano de 2008, mas havia outros independentes do programa ocorrido em Montpellier.
O que havia de comum entre todos era a disponibilidade para colaborar, uns com os outros, em diferentes níveis, desde feedbacks até ajuda técnica.

“We are not superficial, we love penetration” foi apresentado no Brasil (SESC Paulista) com mais quatro bailarinos brasileiros. Como foi no In-Presentable? Qual foi a recepção do público?

Esse trabalho carrega ainda várias questões que estão em aberto para mim. Talvez por ele ter sido produzido num momento de grande transformação, que foi o período da formação Exerce 8, em Montpellier, no ano passado.
Mesmo que algumas coisas ainda não estejam claras para mim em relação a ele, sinto que o público no geral é seduzido pela brincadeira irônica da camuflagem que o trabalho propõe. Sinto que essa sedução é construída pelo mistério da lógica que usamos na construção dramaturgica e ao mesmo tempo pelo descomprometimento (superficialidade) com que tratamos do assunto.
Sinto que o jogo é comprado pelo público porque ouço a reação do público durante a apresentação. Em São Paulo e em Madrid muitos sons foram produzidos como reação as imagens que construíamos.
Os feedbacks foram muuuuuito importantes, em ambos os lugares.

Qual a maior novidade trazida pelo In-Presentable ao público, qual a sua maior qualidade?

O que enxergo de “novo” é a possibilidade de incluir o olhar dos espectadores dentro da criação dos artistas e vice-versa, repensando os papéis de um e de outro. Além do que numa época como essa, onde o sistema do mercado está completamente estruturado para cada vez mais nos separar, desativando nossos corpos pensantes dentro de uma sociedade hiper mega mix consumista, acredito que ações de compartilhamento como essas são um tanto subversivas por nos convidar a repensar nossa liberdade e responsabilidade na possível recriação cotidiana desse mesmo mundo. Ui!

Pina Bausch (1940 – 01.07.2009)

Sabe aquela história de que o mérito do bailarino é camuflar a dor com a graça? Se o bailarino for Pina Bausch, pode esquecer. Sinceridade, obstinação e diversidade são palavras que a descrevem bem. Embuste, padronização e rigidez, não.
A alemã descobriu cedo sua vocação, e aos quinze anos foi estudar em Essen, com o coreógrafo Kurt Jooss. De lá partiu para Nova York: Julliard School e Metropolitan Opera. Foi onde aprendeu as rígidas regras da dança clássica e, com perfeição, a quebrá-las. Aos 33, Pina foi convidada a dirigir o Wuppertaler Tanztheater, em 1973. E foi nessa cidade alemã (Wuppertaler) que Pina revolucionou a dança moderna, misturando-a com o teatro por “ficar entediada com a falta de uma carga emocional”. No fim dos anos setenta a coreógrafa chocou o mundo rompendo com tradicionalismos e saindo do programa: renovando a sua já nova dança-teatro. A partir daí existe a dança antes e depois de Pina Bausch.
Suas peças são intensos jorros, nos quais os bailarinos correm, gritam, jogam-se contra a parede, se emocionam e dançam. A realidade de que necessita interfere também em seus cenários, que são de terra, flores, água, às vezes um muro caindo; porque Pina gosta de “ver a interferência desses elementos orgânicos no movimento”.     Assim como as emoções, a diversidade delas também é ponto crucial para Bausch e sua companhia é formada por profissionais de todos os cantos do mundo. Da festa de seus 25 anos na Wuppertaler Tanztheater , em 1998, participaram outros bailarinos, como a companhia belga Rosas e Mikhail Baryshnikov, mas também grupos de hip hop e Caetano Veloso. O mesmo se repete em seus festivais culturais e nas trilhas sonoras de suas peças. Nestas ela já usou, além de Caetano, Tom Jobim e Vinicius de Morais. O Brasil também foi tema de peça, “Água”, de 2001. Tão adorada por tantos universos, Pina está sempre contato com o melhor deles. No cinema já participou de um Fellini: E La Nave Va (1983), e de um Almodóvar: Fale com Ela (2001).
Tendo deixado para o mundo peças como “Sagração da Primavera” (1975) e “Café Müller” (1978) entre incontáveis obras-primas, Pina Bausch deve ser mesmo referida no presente. A mulher que emancipou a linguagem da dança faz vivo seu legado. Enquanto ela não sofrer outra revolução, Pina continuará atual.

A Sagração da Primavera e Café Müller

Pina

Não use assim…

Don Johnson em Miami Vice e Menudo

Use assim…

Dsquared2 Spring 2010

Iódice para BrandsClub; Superdry para Brandsclub (www.brandsclub.com.br)

www.joaocastilho.net

João Castilho em auto-retrato

"Anteparo" (2008), acervo do MAM de São Paulo.

Entrevista

Como começa um trabalho? Da idéia à concepção: quando você cria um conceito, já tem uma idéia do resultado na imagem? Como o conceito funciona no processo?

- Cada trabalho tem uma gênese própria. As vezes começa com uma palavra e tudo o que ela traz junto. O que vem junto com a palavra geralmente são imagens. Redemunho, por exemplo, depois que cheguei na palavra as coisas estavam mais ou menos resolvidas. Toda a circularidade, todos os opostos entre céu e terra, claro e escuro, deus e o diabo, o clima que envolve as fotografias, tudo isso veio com a palavra. Outras vezes o trabalho nasce de um projeto e o projeto nasce de um desejo. Quando pensei no projeto do vídeo Entre Rios, que é um vídeo realizado com fotografias e textos, eu tinha vontade de romper com a pratica de achar ou caçar imagens. Eu queria provocá-las, construí-las, forçá-las a existir e sabia que não poderia fazer isso sozinho. Ai veio a idéia de deslocar alguns objetos do Brasil para o Mali, tirá-los de um contexto e inseri-los em outro, pensando que esses objetos poderiam ser uma faísca que permitisse a criação de uma situação direcionada para a câmera. Então, junto com os personagens que fui encontrando fomos criando essas situações. Então essa noção de uma estética relacional, que se dá na processo de produção do trabalho, acompanhou toda a realização do projeto. Num trabalho mais recente, Linhas, o que aconteceu foi o desdobramento de uma prática. Estava envolvido em outro projeto chamado Suturas, onde eu provocava um corte, quebrava alguma coisa, rasgava para depois costurar, emendar e então fotografar. Tinha comprado bastante linha para esse trabalho e de repente me ocorreu de despejar um rolo inteiro de lã em cima de um objeto e o resultado foi surpreendente. Então o que fiz depois foi intensificar e diversificar esse processo e aumentar a escala, daí surgiu a série com as linhas. O conceito acompanhou todo o processo, a idéia do registro de trabalhos efêmeros de intervenção na natureza já estava contida no trabalho com as suturas, e é a mesma idéia por traz da série Linhas.

O que, na vida, tende a te inspirar?

- A literatura, principalmente e outros trabalhos de artes visuais e cinema. As vezes alguma coisa que eu vejo, mas isso é mais raro.

Quem são os fotógrafos que você admira? Há algum que inspira seu trabalho, tecnica ou esteticamente? (Eu já li que você admira Roger Ballen e Miguel Rio Branco, pode citar outros?)

- Que trabalham com fotografia eu poderia citar alguns artistas como Jeff Wall, Ana Mendieta, Robert Smithson, Gordon Matta-Clark, Peter Fischli & David Weiss, Helio Oiticica, Gabriel Orozco e Felix Gonzalez Torres. Todos artistas geniais que usam a fotografia e com os quais me sinto em pleno diálogo.

Você pensa, no início de um processo, em um objetivo para o resultado: se terá, por exemplo, um viés documental como “Paisagem Submersa”, ou mais sentimental/poético, como em “Redemunho” ? Ou são os trabalhos que acabam ficando assim?

- Acho que sei, mais ou menos, como a coisa vai ficar. Pelo menos no que diz respeito a esses grandes gêneros. Sei quando a trabalho terá um tom mais documental, ou um documental impregnado de uma poética ou quando será um trabalho bem conceitual. Sei essas coisas.

Você destacaria algum aspecto recorrente em seus trabalhos ? Você busca algum aspecto recorrente em seus trabalhos? Há isso em seu olhar?

- Esteticamente existem algumas coisas que são recorrentes até aqui. O uso da cor é um elemento protagonista em muitos trabalhos. Tenho uma tendência por cores saturadas, os azuis, os vermelhos, os laranjas. Não todas juntas, essa é outra tendência, monocromos, enquadramentos em que uma cor toma conta, as vezes solitária, como na série Lote Vago. Poderia também falar de silhuetas e contrastes altos. Mas também tenho uma tendência abandonar tudo e mudar quando me canso. Conceitualmente acho que as coisas mudam com mais facilidade e isso me traz certo alivio. Atualmente estou distante daquele fotografo que fez o Paisagem Submersa e próximo daquele artista que fez o Paisagem Submersa.

Você pensa em seu espectador durante o processo? Pensa na sensação que quer causar?

- Penso muito pouco no espectador e só na hora de montar uma exposição ou uma instalação. Penso em coisas como um possível percurso que um possível espectador poderia fazer pela galeria ou museu. Nesse sentido me pego as vezes oscilando entre uma desejo de agradar e um desejo de frustrar. Em arte não faz bem pensar em espectador.

“I went into photography because it seemed like the perfect vehicle for commenting on the madness of today’s existence.”
Robert Mapplethorpe .

www.mapplethorpe.org

Auto-retrato do fotógrafo e Mapplethorpe com a cantora Patti Smith

Em sentido horário: Debbie Harry, Grace Jones, Patti Smith, Lisa Lyon